„wenn sich das denken verselbstständigt, ist es so, als würde man einen raum voller flackernder bildschirme aus dem augenwinkel betrachten.“
In den beiden Stücken, die das Hörspiel einrahmen, stelle ich dem Text von Stefan Schmitzer akustische Bilder aus dokumentarischen Aufnahmen gegenüber. – Alexander Bauer

Die beiden Kompositionen Das Erhabene und Finale entstehen in enger Kopplung von Text, Stimme und Klangraum. Ausgangspunkt der Klangarbeit ist die gesprochene Sprache als materielles wie formales Ausgangsmaterial. Aus ihr entwickeln sich zeitliche, rhythmische und räumliche Strukturen, die den Verlauf der Stücke bestimmen. Inhaltliche und semantische Aspekte des Textes werden dabei auf gestalterischer Ebene aufgegriffen und transformiert, sodass Text und Klang in eine wechselseitige Beziehung treten. Stimme, klangliche Schichtungen und Geräusche stehen in einem kontrapunktischen Verhältnis, in dem sich Bedeutungs-, Material- und Wahrnehmungsebenen gegenseitig beeinflussen. Die Kompositionen organisieren damit nicht nur musikalische Abläufe, sondern auch Hörpositionen: Räumliche, mediale und zeitliche Verschiebungen lassen Nähe und Distanz, Orientierung und Desorientierung sowie Beobachtung und Involvierung kontinuierlich ineinander übergehen. Auf diese Weise entsteht ein mehrdimensionaler Spannungsbogen, in dem Text, Klang und die subjektive Wahrnehmung der Zuhörer:innen als integrierter kompositorischer Prozess erfahrbar werden. – Florian Kindlinger

Drei Stimmen verhandeln Blumenbergs Metapherngeschichte des Schiffbruchs in einem assoziativen Textgeflecht: Was bedeutet das Schiff? Was der Beobachter? Ist er cool, der Zuschauer? Dazu eine vierte Stimme, die vom Regiepult aus nur Steuerwörter spricht – „textstelle, teststelle, weiter“ – und damit die Ordnung des Diskurses markiert. Die Stimmen arbeiten sich durch Lukrez und Voltaire, durch Turner-Bilder und Leviathan-Mythen, bis die Sprache selbst ins Taumeln gerät.

Impulslose Schwellklänge der Posaune werden über ein Feedback-Delay-Netzwerk zu einem räumlich aufgespannten Klangkontinuum verarbeitet: ein immersives Klangband, in dem die Stimmen zunächst Halt finden. Die Verwirbelungen – die Klangwirbel des Feedback-Netzwerks – sind dabei sowohl kompositorische Technik als auch Metapher: Strudel, die alles, was in sie hineingerät, in Bewegung versetzen und seiner Kontrollierbarkeit entziehen. – Reinhold Schinwald

Die EXIT-MASCHINE imaginiert mit surrealen Metaphern den befreienden Flug „wortloser Denkbilder“ als Rettung vor dem sicheren Untergang im Meer der interpretierenden Worte. Im Dialog mit der Stimme artikuliert die Flöte den Übergang zu einer vermeintlichen Einheit mit der Welt „drunten“ mit. Aber in Wirklichkeit heben wir nicht ab. Uns kann, wenn überhaupt, nur eine wahrhaftige Sprache vom Untergang befreien. – Germán Toro Peréz

In den letzten Monaten habe ich mich immer stärker kreativ mit dem Konzept von Halluzinationen beschäftigt – der Verschmelzung einer „realen“ und einer „verzerrten“ Realität sowie der Unfähigkeit, zwischen beiden zu unterscheiden. Meine Stücke sollen die eigene Position in der Gesellschaft (und das mögliche Schuldgefühl im Zusammenhang mit Privilegien, Nationalität, Reichtum, Frieden – „survivor’s guilt“) durch die Erfahrung einer (sonischen) Halluzination reflektieren, ohne sicher zu sein, ob diese Gedanken aus meinem oder aus dem verzerrten Geisteszustand stammen. Diese Themen liegen mir gerade besonders nahe angesichts der aktuellen politischen Situation (nicht nur) in meiner Heimat, die im vergangenen Jahrhundert mehrere totalitäre Regime durchlebt hat und momentan wieder Sympathien für eine autokratische Herrschaft zeigt – was sich gerade stark wie eine Halluzination anfühlt. – Tímea Urban